Bilan cinéma 2010 : mes mini-tops de l'année

C'est la fin de l'année, voici venue l'heure des bilans. A l'instar de mes congénères blogueurs, j'avoue que j'aime assez hiérarchiser tout et n'importe quoi. Alors je me suis dit, Séraphin, pourquoi tu ferais pas plein de petits tops pour synthétiser la riche année de cinéma qui vient de s'achever ? Hein pourquoi pas ?

LES FILMS

Les bonnes surprises de l'année contre toute attente :
1. MOTHER de Bong Joon-Ho
2. BURIED de Rodrigo Cortés
3. L'EPINE DANS LE COEUR de Michel Gondry
4. LES PETITS RUISSEAUX de Pascal Rabaté
5. TOUT CE QUI BRILLE de Géraldine Nakache et Hervé Mimran

Les déceptions de l'année :
1. LES PETITS MOUCHOIRS de Guillaume Canet
2. ALICE AU PAYS DES MERVEILLES de Tim Burton
3. SHERLOCK HOLMES de Guy Richie
4. ADELE BLANC-SEC de Luc Besson
5. GAINSBOURG - VIE HEROIQUE de Joann Sfar

Le cinéma français se serait bien passé de ce genre d'images.

Les films visuellement très très joulis de l'année :
1. RUBBER de Quentin Dupieux
2. ENTER THE VOID de Gaspar Noé
3. LES AMOURS IMAGINAIRES de Xavier Dolan
4. ONCLE BOONMEE de Apichatpong Weerasethakul
5. A SINGLE MAN de Tom Ford

Les films imbitables de l'année :
1. FILM SOCIALISME de Jean-Luc Godard
2. ONCLE BOONMEE
3. COPIE CONFORME de Abbas Kiarostami
4. HARRY POTTER ET LES RELIQUES DE LA MORT - PARTIE 1 de David Yates
5. RESIDENT EVIL 3D : AFTERLIFE de Paul W. S. Anderson

Les films de malades mentaux mais bien coolos quand même :
1. RUBBER
2. ENTER THE VOID
3. GENTLEMEN BRONCOS de Jared Hess
4. AMES EN STOCK de Sophie Barthes
5. BAD LIEUTENANT : ESCALE A LA NOUVELLE ORLEANS de Werner Herzog

Les délires persos de l'année, tellement persos que celui qui a le plus pris son pied c'est l'abruti qui a fait le film :
1. ENSEMBLE NOUS ALLONS VIVRE UNE TRES TRES GRANDE HISTOIRE D'AMOUR de Pascal Thomas
2. GAINSBOURG - VIE HEROIQUE
3. FATAL de Michael Youn
4. MR NOBODY de Jaco Van Dormael
5. CAMPING 2 de Fabien Onteniente

Les comédies françaises nulles à chier de l'année :
1. ADELE BLANC-SEC
2. L'ITALIEN de Olivier Baroux
3. LE MAC de Pascal Bourdiaux
4. CAMPING 2
5. UNE PETITE ZONE DE TURBULENCES d'Alfred Lot

Les films ennuyeux, fatigants voire interminables de l'année :
1. ONCLE BOONMEE
2. MY OWN LOVE SONG de Olivier Dahan
3. VALHALLA RISING de Nicolas Winding Refn
4. THE AMERICAN de Anton Corbijn
5. PRINCE OF PERSIA : LES SABLES DU TEMPS de Mike Newell

Les films sinistres, glauques voire sordides de l'année :
1. PRECIOUS de Lee Daniels
2. THE KILLER INSIDE ME de Michael Winterbottom
3. LES PETITS MOUCHOIRS
4. POETRY de Lee Chang-Dong
5. JUST ANOTHER LOVE STORY de Ole Bornedal

Les films dont la fin met bien sur le cul :
1. KABOOM de Gregg Araki
2. A SERIOUS MAN de Joel & Ethan Coen
3. SHUTTER ISLAND de Martin Scorsese
4. ENTER THE VOID
5. VALHALLA RISING

Les docus de l'année :
1. L'EPINE DANS LE COEUR de Michel Gondry
2. YVES SAINT-LAURENT & PIERRE BERGE : L'AMOUR FOU de Pierre Thoretton
3. WHEN YOU'RE STRANGE de Tom DiCillo
4. JEAN-MICHEL BASQUIAT : THE RADIANT CHILD de Tamra Davis
5. INSIDE JOB de Charles Ferguson

Les films gravement surcotés de l'année :
1. ONCLE BOONMEE
2. POETRY
3. COPIE CONFORME
4. GAINSBOURG : VIE HEROIQUE
5. AJAMI de Scandar Copti et Yaron Shani

Les meilleures scènes de l'année :
1. Dans The ghost-writer, la superbe scène finale (que je ne raconterai pas).
2. Dans Dans ses yeux, le fabuleux plan-séquence qui démarre au dessus d'un stade et s'achève sur le terrain après une incroyable course-poursuite dans les travées.
3. Dans Rubber, le long travelling qui fait suite au meurtre du lapin, où l'en ressent la plénitude d'un pneu qui vient de tuer sauvagement une bête sans défense
4. Dans Kick-ass, le premier passage à l'acte de Hit Girl dans un déchaînement de violence et de gore totalement inattendu.
5. Dans Very Bad Cops, le saut dans le vide du super-tandem Jackson/Johnson (attention spoiler).
6. Dans Machete, la descente en rappel de Machete avec un intestin grêle en guise de corde.
7. Dans Mother, la troublante scène d'ouverture qui prendra tout son sens à la fin du film.
8. Dans Inception, le rêve d'Ellen Page et Leo DiCaprio dans les rues parisiennes.
9. Dans Fatal, les nominations aux Music Awards de la musique.
10. Dans Daybreakers, la mort ultra-gore du bad guy.

Les scènes grotesques de l'année :
1. Dans Resident evil 3D : Afterlife, la rencontre avec le grand méchant décontracté du gland sur son fauteuil hi-tech.
2. Dans Alice au pays des merveilles, le Futterwacken de Johnny Depp, que l'on redoutait tout au long du film.
3. Dans Potiche, la chanson finale de Catherine Deneuve.
4. Dans Oncle Boonmee, la visite à la table familiale d'un fils disparu devenu tout poilu.
5. Dans The tourist, le méchant mafieux torturant Angelina Jolie en dérangeant ses étagères.
6. Dans Tout ce qui brille, la grosse colère de Leila Bekhti après sa pote Géraldine Nakache.
7. Dans Expendables, Mickey Rourke repeignant sa guitare en chouinant.
8. Dans Unstoppable, les inévitables scènes de liesse générale au moment où tout rentre dans l'ordre.
9. Dans Les petits mouchoirs, les trente dernières minutes du film.
10. Dans Adèle Blanc-Sec, tout le film.

Les génériques de l'année :
1. Générique d'ouverture d'Enter the void
2. Générique d'ouverture de Gentlemen Broncos
3. Générique de fin de Sherlock Holmes
4. Générique de fin de Robin des bois
5. Générique de fin de Soul kitchen

Les répliques les plus classes de l'année :
1. "J'aime bien votre rire. - Moi j'aime pas le vôtre, il pue votre rire. - Ben c'est normal, il sent un peu la charogne." (Albert Dupontel et Jean Dujardin dans Le bruit des glaçons)
2. "Tu es encore mouillée ? - Non. Je me suis essuyée avec un Kleenex." (fiston Dylan Riley Snyder et maman Allison Janney dans Life during wartime)
3. "Pourquoi dans JFK, d’Oliver Stone, un inconnu assassine-t-il le président des Etats-Unis? No reason." (Stephen Spinella dans le superbe monologue d'ouverture de Rubber)
4. "Machete don't text." (Danny Trejo dans Machete)
5. "Ca doit être fumé au bois d'Applewood ça, je me trompe ? - Je sais pas, j'ai pas fait un master en jambon moi." (Gérard Depardieu et Gustave Kervern dans Mammuth)

Les répliques les plus cons de l'année :
1. "La prochaine fois ce sera tes couilles." (Jason Statham après avoir poignardé un ballon de basket dans Expendables)
2. "Bon écoutez-moi bien Ramsès de mes deux" (Louise Bourgoin dans Adèle Blanc-Sec)
3. "Moi si on me dit pas tout je réponds patate." (Jonathan Lambert dans L'amour c'est mieux à deux)
4. "Et je respecte la nappe phréatique aussi, je fais uniquement caca dans mon jardin." (Stéphane Rousseau dans Fatal)
5. "Je meurs à l'instant si un jour j'te reparle." (Leila Bekhti dans Tout ce qui brille)

LES GENS

Les acteurs de l'année :
1. Stephen Spinella (Rubber) car son monologue au début du film est ce qu'on a vu de mieux au cinéma cette année (le reste du film aussi d'ailleurs).
2. Gérard Depardieu (Mammuth) car il EST Mammuth, autant qu'il a été Cyrano de Bergerac, Alphonse Tram, le Père Donissan ou Quentin de Montargis.
3. Jemaine Clement (Gentlemen Broncos) car son personnage est génial et il le joue génialement.
4. Adam Butcher (Dog pound) car quand il se met en colère, il est vraiment flippant.
5. Bill Nighy (Petits meurtres à l'anglaise) car son jeu tout en bouffonnerie flegmatique peut sauver un film à lui seul.

Les actrices de l'année :
1. Allison Janney (Life during wartime) car partout où elle passe, les films s'illuminent (cf. Away we go)
2. Juno Temple (Kaboom) car j'en suis tombé amoureux.
3. Carey Mulligan (Une éducation) car c'est une future grande.
4. Anne-Elizabeth Bossé (Les amours imaginaires), car chacune de ses paroles est hilarante de vérité.
5. Scarlett Johansson (Iron Man 2) car Scarlett sera toujours Scarlett.

Les acteurs nuls de l'année :
1. Jérémie Rénier (Potiche)
2. Romain Duris (L'arnacoeur)
3. Johnny Depp (The tourist)
4. Ben Affleck (The town)
5. Jay Baruchel (L'apprenti sorcier)

Les actrices nulles de l'année :
1. Louise Bourgoin (Adèle Blanc-Sec)
2. Angelina Jolie (The tourist)
3. Judith Godrèche (Potiche)
4. Juliette Binoche (Copie conforme)
5. Penélope Cruz (Nine)

Les guests de l'année :
1. P. Diddy dans American trip.
2. Michael Keaton dans Very bad cops.
3. Bouli Lanners dans Mammuth.
4. Arnold Schwarzenegger dans Expendables.
5. Patti Smith dans Film Socialisme.

Les catastrophes capillaires de l'année :
1. Angelina Jolie (Salt)
2. Ben Stiller (Greenberg)
3. Jim Carrey (I love you Phillip Morris)
4. Romain Duris (L'homme qui voulait vivre sa vie)
5. Tobey Maguire (Brothers)

Les méchants de l'année :
1. Robert (Rubber)
2. Stanley Tucci (Lovely bones)
3. Jeremy Renner (The town)
4. Robert De Niro (Machete)
5. Mickey Rourke (Iron Man 2)

LA ZICMU

Les bandes originales de l'année :
1. The social network (Trent Reznor et Atticus Ross)
2. Fantastic Mr Fox (Alexandre Desplat)
3. Rubber (Mr Oizo et Gaspard Augé)
4. Inception (Hans Zimmer)
5. Yves Saint-Laurent & Pierre Bergé : L'amour fou (Come Aguiar)
6. Dog pound (Balmorhea, K'Naan et Nikkfurie)
7. A serious man (Carter Burwell)
8. The ghost-writer (Alexandre Desplat)
9. Sherlock Holmes (Hans Zimmer)
10. Bad lieutenant (Mark Isham)

Les tracklists de l'année :
1. SHUTTER ISLAND, avec Krzysztof Penderecki, Max Richter, Brian Eno...
2. SOUL KITCHEN, avec Kool and the Gang, Boogaloo Joe Jones, Quincy Jones...
3. AMER, avec Stelvio Cipriani, encore Stelvio Cipriani, Bruno Nicolai...
4. WHEN YOU'RE STRANGE, avec The Doors, The Doors, The Doors, The Doors...
5. LES AMOURS IMAGINAIRES, avec Dalida, The Knife, Indochine, Comet Gain...
6. GENTLEMEN BRONCOS, avec Zager and Evans, Scorpions, Buck Owens...
7. KABOOM, avec Yeah Yeah Yeahs, Engineers, The Depreciation Guild, Placebo...
8. KICK-ASS, avec Prodigy, John Murphy, The Pretty Reckless, Primal Scream...
9. DATE LIMITE, avec Sam & Dave, Cream, Fleet Foxes, MIMS...
10. VERY BAD COPS, avec Goldfrapp, Foo Fighters, Wyclef Jean, Phil Collins...

10 bonnes raisons d'aller voir Rubber, de Quentin Dupieux

Voilà une semaine que je clame à tous vents et sur tous les toits que Rubber est le film de l'année, presque un chef-d'oeuvre, tout du moins une oeuvre incontournable et qu'il faut donc aller le voir. Devant l'incrédulité et la défiance générale, j'avais eu l'idée d'exposer en 57 points pourquoi ce film est génial et pourquoi il faut à tout prix aller le voir. Pourquoi 57 ? No reason (huhu). Mais comme je sais que mes lecteurs sont des gens très occupés, j'ai finalement décidé de m'en tenir à 10 (oui c'est la seule et l'unique raison). Les voici :


1. Le premier long-métrage tourné avec un appareil photo
C'est par son manque de patience que l'on doit à Quentin Dupieux d'avoir choisi un appareil photo pour tourner son film. Fatigué de la lenteur du processus traditionnel, il a fait le choix du Canon 5D, qui permettait de tourner rapidement sans trop de tergiversations. Une brillante idée puisque le résultat est superbe. Rubber est et visuellement l'un des plus beaux films de l'année. J'ai l'impression que ce film est le premier d'une longue série, et qu'il est donc une REVOLUTION, pour le même prix que les tristes navets qui l'accompagnent à l'affiche (j'exagère, y a des bons films en ce moment mais PEU IMPORTE !).

2. Un point de départ dingue
L'histoire d'un pneu télékinésiste et psychopathe. Si vous n'avez pas envie de courir en direction du cinéma le plus proche en lisant un tel pitch, vous êtes un nazi.

3. Un film de genre de qualité supérieure
Avant toute chose, Rubber est un film de genre, horrifique et gore. Le héros est un pneu d'accord, mais c'est aussi un tueur psychopathe et avide de meurtre. Et quels meurtres ! Dupieux a certainement consulté ses classiques (Scanners et autres) avant de tourner, car il nous gratifie tout au long du film de superbes explosions de tête, des modèles du genre, techniquement sublimes, parfaitement sonorisées. Et je m'y connais.

4. Une astuce scénaristique brillante
L'histoire du pneu tueur ne vous suffit pas ? Moi non plus et c'est là que ce film est GENIAL. Ce pitch de série B n'est qu'un prétexte car la véritable histoire du film est celle de ces spectateurs munis de jumelles qui suivent en même temps que nous les tribulations du pneu fou. Dupieux passe son temps à passer d'une histoire à l'autre, faisant parfois faire à ces spectateurs des commentaires auxquels on avait pensé quelques secondes plus tôt (les fesses de Roxane Mesquida). Troublant. Les deux histoires sont liées par un personnage énigmatique, obéissant à une force supérieure à peine évoquée, dont on prendra soin d'imaginer nous même l'identité.

5. Le film qui vous fait ressentir les émotions d'UN PNEU
Car oui, dans Rubber, le pneu est un être vivant. On ressent ses émotions, ses interrogations, ses peurs, on s'identifie à lui, on comprend ce que c'est d'être lui. On comprend surtout le pur génie de Dupieux quand dans la meilleure scène du film, on suit dans un long travelling ce pneu tituber d'allégresse après le meurtre orgasmique d'un pauvre lapin. Du grand art.

6. Des acteurs au niveau
Ca a l'air con à dire, mais Stephen Spinella, acteur quasi-inconnu, petit rôle dans Harvey Milk et dans des films que personne n'a vu, vaut à lui seul de voir Rubber. C'est une faconde, une assurance, une présence, une force comique inattendues que l'on découvre en le voyant monologuer sur le No-Reason (cf. 10), mener avec entrain une enquête policière insensée ou expliquer l'inexplicable à ses collègues médusés. Autour de lui, la jolie Roxane Mesquida est parfaite en objet sexuel (comme d'habitude), tout comme Jack Plotnick, Wings Hauser et tout les autres d'ailleurs. Sans oublier le pneu, dont l'animation semble avoir fait l'objet d'une attention toute particulière, filmé très souvent en plan large même dans des déplacements assez périlleux. On se demande parfois si ce n'est pas un vrai pneu vivant qui a été filmé.

7. Une mise en scène soignée
Des cadrages superbes, des travellings élégants, sobres et efficaces, la réalisation est fourmillante d'idées, à tel point que l'on peut voir la même scène quatre fois de suite sans jamais se lasser, je parle en l'occurrence de celle où Robert (le pneu) découvre ses capacités et les teste sur plusieurs victimes (objets et animaux divers), une séquence admirable, redondante mais passionnante.

8. Le film d'un vrai auteur (français en plus)
Pour ceux qui seraient tombé sur Nonfilm, le premier film de Quentin Dupieux, impossible de ne pas voir dans Rubber la continuité de cette réflexion semi-nihiliste sur la représentation cinématographique et la relation spectacle/spectateur. Entre les deux, il y a eu Steak, film pas inintéressant où l'on retrouvait néanmoins ce ton fun et décalé, mais un peu dissimulé par la présence des stars Eric et Ramzy. Dans Rubber, on revient dans le plus pur style Quentin-Dupieux, absurde et hilarant comme du Blier, absurde et abscons comme du Buñuel. Tout ce qu'on aime.

9. Une BO qui tue
Quentin Dupieux étant qui il est (Mr Oizo rappelons-le), il ne pouvait faire autrement que de composer lui-même la BO de son film, comme il l'avait fait avec Steak. Il avait cependant collaboré avec deux autres pontes de la french touch (Sébastien Tellier & SebastiAn) et cette fois c'est la moitié moustachue de Justice, Gaspard Augé, qui est venue lui prêter main forte. Le résultat est une merveille, hétéroclite et jouissive, croisant des mélodies élégantes, sifflées, flûtées ou plaquées au clavier, à des influences diverses (John Carpenter, Carter Burwell, Philip Glass, …). Le point culminant étant assurément ce Tricycle Express morodérien entendu en fin de film. Et en bonus, un morceau non orignal, excellent au demeurant, du groupe funk Blue Magic, qui semble pourtant avoir été composé pour le film (la fameuse scène de plénitude post-meurtrem cf. 5).

10. Un magnifique hommage au No-Reason
Dans une impeccable scène d'ouverture, Stephen Spinella expose sa théorie sur la place du No-Reason dans les chefs-d'oeuvre du cinéma. "Pourquoi dans ET, l'extraterrestre est-il marron ? No reason". Une question que l'on ne s'était jamais vraiment posé et qui prend tout son sens métaphysique dans la suite du film. On restera pendant 1h30 (et même après) dans cette incertitude, est-ce que ce film a seulement un sens, est-ce que tout cela n'est pas juste une vaste blague ? Question que l'on peut extrapoler à l'infini. Le cinéma. L'art. La vie. L'univers.

Critique : The Dinner, de Jay Roach

Sorti dans 9 salles en France, The Dinner est visiblement boudé par les distributeurs. On peut le comprendre car en plus d'être le remake d'une des meilleures comédies françaises du XXe siècle (ce qui est un sérieux handicap), c'est tout simplement un mauvais film, dont les scénaristes n'ont visiblement rien compris à l'intelligence du scénario original de Francis Veber.

Car mises à part quelques situations qui tiennent plus lieu de clin d'oeil, le scénario du Dîner de Cons a totalement été remanié pour ce film. Celui de Veber se déroulait presque intégralement dans un appartement alors que celui de Jay Roach est beaucoup plus volatil, et ce sont deux jours entiers que le Brochant américain passe à être torturé par ce Pignon artiste-taxidermiste proche de l'encéphalogramme plat.

La première erreur du script à mon avis, c'est qu'ici le méchant Mr Brochant s'est transformé en un gentil cadre dynamique que ses salauds de patrons forcent à participer à un dîner de cons en vue d'une promotion (idée de départ complètement nulle, soit dit en passant). Du coup, on est presque gêné de voir ce pauvre Paul Rudd vivre un enfer à cause de ce con vraiment très con joué par un Steve Carell vraiment très lourd, sans aucune retenue.

Partant avec un déséquilibre aussi grand, le film est obligé de se ramasser. Et malgré quelques moments drôles (la blague de Morgan Freeman, vue dans la bande annonce), voire poétiques (l'idée des petites maquettes de souris empaillées), il est très difficile de rire aux pitreries incessantes de Steve Carell, et encore moins d'un Paul Rudd dont le personnage est totalement délaissé.

Heureusement, quelques seconds rôles sauvent le film du naufrage complet, notamment Zach Galifianakis (encore lui) assez fort en inspecteur des impôts psychotique, ou Jemaine Clement qui après Gentlemen Broncos s'impose comme un expert absolu pour jouer les stars underground ravagées.

Tout cela n'est pas suffisant pour faire de ce Dinner un film agréable, d'autant qu'il aura enlevé à l'original toute sa subtilité et sa méchanceté.

Critique : Date limite, de Todd Phillips

Après avoir triomphé en salles avec Very Bad Trip, Todd Phillips revient cette semaine avec Date Limite, s'attaquant à un genre pas si facile, le buddy-movie (preuve dans The Dinner, sorti cette semaine aussi). Depuis la sortie du film, on lit parfois la critique entrevoir une filiation avec le maître français du genre, Francis Veber (scénariste de L'emmerdeur et réalisateur de La Chèvre, Les compères, Les fugitifs et Tais-toi entre autres). Sans aller jusque là, on peut quand même considérer Date Limite comme une réussite.

Peter Highman (Robert Downey Jr) doit rejoindre sa femme à l'autre bout des Etats-Unis avant son accouchement, mais par une série de tuiles, il est contraint de faire le voyage en voiture avec Ethan Tremblay (Zach Galifianakis), individu particulièrement inconscient et maladroit.

On retrouve effectivement dans la trame de départ une certaine ressemblance avec celles interprétées par le tandem Depardieu/Richard de la grande époque, cependant, ce nouveau duo fait plus souvent penser à celui que formaient Jeff Bridges et John Goodman dans The Big Lebowski. D'ailleurs certaines scènes, si elles ne sont pas un hommage, sont clairement influencées par le chef-d'oeuvre des frères Coen (les cendres du papa dans la boite de café, la tenue de mission de Zach Galifianakis).

Les bouffonneries de Zach Galifianakis ne prendraient pas si son partenaire n'était pas ce Robert Downey Jr sobre et stoïque. C'est le fait qu'il cherche constamment à contenir son énervement qui provoque le rire, et on rit plus encore quand la tension est trop forte et qu'il se laisse aller à quelques débordements (cf. la scène du gamin chiant).

Une fois l'équilibre trouvé entre les deux personnages, il ne reste qu'à dérouler le film et imaginer toutes sortes de situations, plus rocambolesques les unes que les autres. C'est d'ailleurs là où le film est beaucoup moins fort que ceux de Francis Veber, mais peu importe, les situations sont drôles et les divers personnages rencontrés apportent de l'eau au moulin du duo principal. La singularité de ce tandem suffit à faire des situations les plus éculées (fumage de pétards, etc.) de vraies scènes de comédie.

Evidemment, on n'échappera pas à quelques effusions sentimentales, mais elles sont rares et souvent désamorcées avec force par une réplique ou une vanne qui va bien.

Pour toutes ces raisons, disons tout de go que Date Limite est le deuxième film à voir de la semaine (après Rubber évidemment, qui lui est le film de l'année).

Critique : Potiche, de François Ozon

Je n'ai pas envie de cacher que j'avais prévu une introduction assez dingue pour cette critique, toute en allitérations à base de potiche, pitch, potache, putsch, et pourquoi pas postiche, patch et pistache. Mais je n'ai pas vraiment réussi à goupiller tout ça harmonieusement. Alors restons simples, je me contenterai sobrement d'écrire qu'avec un casting et un réalisateur prestigieux, Potiche est assurément le "film de la semaine", c'est-à-dire celui que les gens vont aller voir avec plaisir et enthousiasme à partir de ce 10 novembre.

Ils n'ont pas tout à fait tort les gens, parce qu'on aurait tort de se priver d'une union Deneuve + Luchini + Depardieu, dirigés par un réalisateur talentueux et reconnu. Mais ils ont quand même un peu tort, déjà parce que LE film de l'année sort le même jour (Rubber). Ensuite parce qu'il semble désormais presque évident que François Ozon n'est pas fait pour la comédie.

Adaptant une pièce de théâtre de Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy (en deux mots l'histoire d'un PDG macho qui se fait remplacer par sa femme à la tête de son entreprise), le réalisateur de 8 femmes n'arrive que très rarement à en faire un film. Les dialogues ciselés de la pièce tombent souvent à plat, la faute à une interprétation souvent maniérée et déclamatoire et une mise en scène misant tout sur une esthétique seventies un peu fun mais ne cherchant que secondairement à rendre les gags efficaces.

Pas aidés non plus par leurs personnages, un poil caricaturaux, les comédiens sont à la peine, notamment Jérémie Rénier en fils modèle efféminé ou Judith Godrèche en blondasse antipathique, qui ont beaucoup de mal à se rendre crédibles. Le trio principal s'en sort mieux heureusement, et donne au film ses meilleurs scènes, dans des registres familiers : Luchini excelle dans la logorrhée excédée, tranchant avec une Deneuve calme et espiègle, tandis que Depardieu reprend avec brio son rôle désormais habituel d'homme fruste au grand coeur.

On rit quand même, parfois, quand le film parvient à transcender son matériau théâtral de base pour en faire un vrai film de comédie, y apporter de vraies situations et de vraies répliques de cinéma. Dommage que la plupart du temps, Ozon reste si paresseux dans son adaptation, se contentant souvent de balancer une allusion balourde ou un gag bon marché.

Quant au message sous-jacent du film, s'il y en a un, il est délivré avec assez de maladresse pour qu'on n'ait pas vraiment envie de le comprendre ni même s'y intéresser. Le côté un peu ridicule de la scène finale montre bien qu'il n'y aura pas de grands enseignements à tirer de ce conte contemporain, sympathique mais pas indispensable.

Critique : Les petits mouchoirs, de Guillaume Canet

Guillaume Canet, avec déjà trois films à son actif en tant que réalisateur, est déjà un cinéaste fascinant. Après le très réussi Mon Idole et le multi-césarisé Ne le dis à personne, deux films tout à fait différents, le voilà qui réunit tous ses amis dans Les petits mouchoirs, comédie vacancière très personnelle (paraît-il) dont le fond dramatique semblerait se réclamer de Claude Sautet, entre autres.

Max (François Cluzet) invite comme chaque année tous ses amis dans sa grande maison du Cap-Ferret. L'un deux (Jean Dujardin) est victime d'un grave accident peu avant le jour du départ. Ils décident de partir quand même, le laissant sur son lit d'hôpital.

Après une scène d'ouverture renversante (jeu de mot !), puis une visite éprouvante à l'hôpital, on a très vite l'impression qu'on ne va pas beaucoup rigoler. Mais il suffit que nos amis se décident finalement à partir envers et contre tout pour que l'atmosphère se détende. On semble alors se tourner vers la comédie, une comme celles qu'on voit régulièrement au cinéma, sans prétention, légère et sympathique.

Dans ce domaine, Canet s'en sort plutôt bien. Les personnages sont un brin caricaturaux mais les situations sont drôles, les acteurs aussi, surtout François Cluzet, exceptionnel en propriétaire bling-bling et nerveux. Petit défaut toutefois, le film a une fâcheuse tendance à renfermer ce groupe d'amis sur lui-même en les montrant se gausser eux-mêmes de leurs propres pitreries, une façon de doubler le rire du spectateur, qui peut facilement s'en sentir exclu.

Une scène drôle.

Mais si c'était le seul défaut, on pourrait encore dire que Les petits mouchoirs est un bon film, fort de son rythme enlevé, ses répliques cinglantes et ses situations drolatiques. Seulement, il ne l'est pas et pour une raison simple, Guillaume Canet est beaucoup trop audacieux. Comédie pure ? déjà fait, il veut aller plus loin, mettre vraiment de lui dans son film. Et mettre de lui, c'est forcément faire dans le triste, le mélo, le grave. Et quand il cherche à faire du sérieux avec de l'invraisemblable (Magimel subitement amoureux de Cluzet, son ami de 15 ans), le rendu sonne affreusement faux. C'est naïf, c'est sot.

Mais admettons… Passe encore qu'on veuille préserver un certain équilibre en opposant chaque marrade à un moment d'amertume, qu'on cherche à susciter l'émotion avec une musique ad hoc (Nina Simone and co), qu'on fasse durer au maximum les moments mélancoliques pour montrer que la vie n'est pas toujours que drôle, même en vacances (mention spéciale pour la soirée guitare, featuring Maxim Nucci en zicos barbu, et son tour de chant interminable). Passe encore que ces vacances entre potes soient raisonnablement ternies par le spleen ou les petites histoires personnelles de chacun. Bref, passe encore que le réalisateur sorte de dépression et qu'il veuille en faire part à ses spectateurs, par petites touches. Mais quand au bout de deux heures, au moment où depuis longtemps un cinéaste modeste ferait défiler le générique, Guillaume Canet veut enfoncer le clou, et passe définitivement du côté obscur, celui du pathos sans limite, de l'orgie tragique, Les petits mouchoirs devient bouleversant, bouleversant de ridicule, et devient surtout un très ! mauvais !! film !!!

C'est ainsi qu'entre deux rabibochages de membres de ce groupe qui nous indiffère de plus en plus seconde après seconde, on aura finalement passé la plupart du temps à béer devant les incroyables épanchements lacrymaux de Marion Cotillard (qui pleure de PARTOUT), prendre des leçons de vie véhémentes (mais pleines de bon sens forcément) du vieux loup de mer du groupe ou encore le voir déverser son fiel ou des sacs de sable dans des endroits incongrus. Et surtout, regarder sa montre, beaucoup.

Et un moment le film s'arrête. Soulagé mais accablé, on se demande quelle mouche à piqué Guillaume Canet avant qu'il choisisse de dénouer sa petite histoire de vacances dans un sinistre aussi complet. Au final, on choisira de ne retenir que la partie fun du film, celle qui met en scène un François Cluzet luttant contre les marmottes de son grenier, celle qui présente une foule de petites saynètes futiles, mais drôles, un peu dans l'esprit Nos enfants chéris, très loin de la gravité et du pathétisme ultra-démonstratif et totalement improductif dont souffre le reste du film.

Et comme on a affaire à un film choral avec au moins 11 acteurs principaux, j'ai bien envie d'introduire un concept golri dans cette critique négative, pour détendre l'atmosphère. Donc c'est parti pour le...


BONUS SPORT ET VACANCES : LE JEU ET LES JOUEURS

(pas) en partenariat avec

François Cluzet (8) : sans conteste l'homme du match, le vieux briscard du groupe a été l'auteur de nombreux exploits individuels et a constamment tiré l'équipe vers le haut, avant une baisse de régime en fin de partie.

Valérie Bonneton (6.5) : évoluant dans un rôle un peu ingrat, elle s'est est bien sorti, multipliant les bonnes passes en profondeur, et forme une belle paire d'attaque avec Cluzet.

Benoît Magimel (3.5) : A vouloir trop jouer dans la profondeur, il a lamentablement échoué tout ce qu'il a entrepris, et ce dans tous les compartiments du jeu avant de se trouer définitivement en toute fin de partie.

Gilles Lellouche (6) : dans son rôle habituel, il s'est montré à son aise, bien en jambes, et s'en est tiré avec les honneurs.

Laurent Lafitte (6) : encore un peu juste techniquement, le jeune Lafitte est néanmoins promis à un grand avenir, il hérite là d'un rôle assez inintéressant et s'en acquitte sans trop de dégâts.

Pascal Arbillot (5.5) : a alterné le bon et le moins bon, elle a semblé avoir eu du mal à se situer. Un peu en retrait dans l'ensemble.

Marion Cotillard (6) : la star internationale de l'équipe s'est contentée des fondamentaux mais a par moments offert au public de jolis gestes techniques (notamment une belle dégoulinure du nez (© JB Morain)).

Jean Dujardin (-) : victime dès la 3ème minute d'un tacle très agressif, il est sorti sur civière. On attend les résultats de l'IRM, qui risquent de n'être pas très bons.

Louise Monot (4.5) : fantômatique, elle a été remplacée par Anne Marivin qui sur le flanc droit (de la voiture de Laurent Lafitte) n'a pas particulièrement brillé non plus.

Hocine Mérabet (4.5) : beaucoup de déchet pour le réserviste déniché par Guillaume Canet mais il a beaucoup couru, signe de sa bonne volonté.

Maxim Nucci (4) : rentré vers la 80ème minute (à peu près) pour apporter un peu de fraîcheur, il a plus ralenti le jeu qu'autre chose, et s'est fait sortir bien vite.

Critique : Kaboom, c'est beau, c'est drôle, c'est fou

Après la trilogie de l'apocalypse adolescente (Totally F***ed Up, The Doom Generation, Nowhere), le superbe (mais archi-glauque) Mysterious Skin et l'incroyable Smiley Face (jusqu'à maintenant le meilleur rôle d'Anna Faris), Gregg Araki revient cette semaine avec Kaboom, chronique estudiantine sur fond de mystère et de rêves prémonitoires.

La première image du film est typique. Teintes chatoyantes, esthétisme extrême, musique planante. Kaboom est d'abord un très beau film. On voit qu'Araki aime ses personnages, constamment magnifiés par la mise en scène, les couleurs, l'ambiance sonore. Tous ces éléments participent à une ambiance générale du film singulière et fascinante. Les nombreuses scènes de sexe par exemple, tout en étant plutôt crues, ont une sorte de puissance esthétique assez inouïe, qui leur donne un côté beau et sensuel, calme et tendre.

Ensuite Kaboom est un film drôle. Des personnages plaisant et/ou idiots (le coloc surfeur en tête), des répliques cinglantes (surtout chez les filles), des situations typiquement arakiennes ; on n'est parfois pas si loin de l'esprit de son précédent film (Smiley Face), comédie débile à souhait mais fourmillant d'idées de mise en scène la rendant absolument exquise.

Enfin Kaboom est aussi et surtout un film ambitieux. D'un point de départ pas très éloigné des Lois de l'Attraction de Brett Easton Ellis (et de son adaptation cinématographique plutôt réussie), Araki parvient à ajouter à son film une couche de thriller voire de film d'épouvante dans certaines scènes. On ne sait jamais très bien sur quel pied danser jusqu'à la toute fin du film, ferme et définitive. On sort alors du film secoué, perplexe, et pourtant, tout est cohérent, et le plaisir n'en est que meilleur au second visionnage (oui retournez-y).

En ajoutant à toutes ces qualités - 1. une musique omniprésente, éclectique, constituée aussi bien de morceaux de groupes pop obscurs ou reconnus que de compositions originales de Robin Guthrie (des Cocteau Twins) et Videk Maddala, 2. des acteurs parfaits, notamment Juno Temple, pour qui je réclame dès maintenant l'Oscar 2010 de la meilleure actrice, on peut donc clairement considérer que Kaboom fait partie des 10 meilleurs films de l'année.

Critique : Les amours imaginaires, de Xavier Dolan

Les amours imaginaires, c'est l'histoire de deux amis, garçon et fille, qui tombent amoureux du même garçon (le frisé de l'affiche).

De ce point de départ tout bête, Xavier Dolan se plaît à montrer la concurrence tacite de ces deux amis, leur inconfort face à cet amour insatisfait, l'une multipliant les tentatives infructueuses, l'autre se laissant déprimer tranquillement, préférant éluder ses sentiments. C'est un point de vue intéressant, d'autant que les interprètes sont au niveau. Malheureusement le réalisateur canadien se perd en route.

Tentant de se démarquer par une mise en scène audacieuse, Xavier Dolan se complait dans le ralenti esthétisant sans aucune nécessité, paraît très fier de sa bande son hétéroclite et multiplie les références à ce qui paraissent être ses modèles (Gus Van Sant, Gregg Araki et autres réalisateurs jeunistes). On s'en amuse au début, puis cela devient ennuyeux, puis agaçant. Cependant on ne pourra pas lui reprocher sa photographie et ses couleurs, qui sont superbes.

 

Coupes de cheveux post-modernes + ralenti + Dalida = auto-caricature de Xavier Dolan

Sur le fond, même si Dolan traite son thème sans aucune nouveauté (Barthes avait déjà écrit tout ça dix ans avant sa naissance), il réussit souvent à en faire quelque chose de drôle, notamment grâce à Monia Chokri, son excellente actrice principale, et lors de longues séquences d'interviews parsemées tout au long du film, indépendantes de l'histoire mais liées à son sujet, universel, les amours contrariées.

Dommage que l'on s'ennuie aussi souvent que l'on rit, dans ce film qui souffre d'un certain manque d'humilité de son auteur. L'esthétique est là, il manque le fond.

Critique 2 en 1 : The Town / Resident Evil Afterlife

Bon ça fait plus d'une semaine que ce blog est inactif, je concède que c'est inadmissible. Le problème c'est que j'ai vu que deux films récemment, pas terribles, et donc j'ai pas spécialement envie d'écrire quelque chose de constructif et détaillé sur l'un d'entre eux. Alors j'ai trouvé une parade vachement astucieuse et pratique, n'est-ce pas, puisqu'il suffit juste de lire soit la partie gauche, soit la partie droite, soit les deux l'une après l'autre. Et pour un minimum d'effort je ponds deux critiques en une.

THE TOWN (Ben Affleck)	RESIDENT EVIL : AFTERLIFE (Paul W.S. Anderson)
Pour pitcher brièvement ce film je dirais juste que...
la jolie directrice d'une banque se fait enlever par des individus masqués lors d'un braquage avant d'être libérée, les yeux bandés. L'un d'entre eux, tombé amoureux d'elle, s'arrange pour la rencontrer et se la taper calmement alors que l'enquête suit son cours.	j'ai rien compris à l'histoire donc je meuble avec cette toute petite photo de tournage :
J'ai aimé
très modérément dans l'ensemble. Je trouve que ce film est	le côté décomplexé des effets spéciaux, en roue libre totale, quoiqu'
un peu trop
cucul la praline, assez banal, très américain et globalement un peu clicheteux,	lâchés par moment, notamment lors de passages au ralenti, au caractère absolument inutile,
voire risible. Cela dit,
je retiens quand même quelques scènes de suspense réussies et de belles courses poursuites très maîtrisées, ce qui donne un thriller assez honnête.	tout cela donne un ensemble bien rigolo et la plupart de ces effets bullet-time hors de propos sortis tout droit de Matrix Reloaded sont finalement très réjouissants
Pour ce qui est des personnages,
certains sont plutôt bien trouvés, notamment celui que l'on voit le moins, joué par Pete "Kobayashi" Postlethwaite, presque scorsésien (hum, m'enflammé-je ?).	on ne sait pas très bien qui est qui, mais on s'en fout complètement, de toute façon ils meurent tous. Ben oui l'intérêt, c'est quand même la baston et les SFX.
Par contre, on ne retiendra pas forcément la prestation de
Ben Affleck	Milla Jovovich
à qui il faudra expliquer qu'il ne suffit pas de prendre
une grosse voix de mec qui a tellement bourlingué dans la vie que maintenant il a une incisive cassée et une ride entre les sourcils, comme ça	des poses ridicules de nana qu'il faut pas faire chier, mais que de toute façon c'est trop tard parce qu'elle s'apprête à tuer tout le monde, comme ça
pour faire croire qu'on joue bien. A part ça, les dialogues sont
parfois un peu concons, ce n'est en tout cas pas la force du film.	nuls mais on s'en fout aussi. Parce qu'on préfère la baston et les SFX.
Dans l'ensemble, je te conseille ce film si tu aimes
les thrillers efficaces mais un peu nullos voire un brin grotesques.	les bastons et les SFX, notamment les 360° au ralenti.
Sache en tout cas que j'ai regardé ma montre
trois fois.	une fois.
Avant d'écrire cette critique, j'aurais bien attribué à ce film une note de
4/10	6/10
mais en l'écrivant je me rends compte que c'est
pas si mal	de la merde
donc finalement je lui donne
6/10	4/10

Critique : Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures

"Splendide", "envoûtant", "une merveille", pouvait-on lire récemment dans la presse à propos d'Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures. Face au consensus, quelques résistants se firent traiter de sombres brutes poujadistes pour avoir donné un avis moins favorable. Me trouvant dans une position absolument neutre face à cette géguerre socio-culturelle, je me suis donc rendu sans préjugé aucun pour voir de mes yeux cette fameuse Palme d'Or, remise en mai dernier par mon idole, Tim Burton (bon d'accord l'a-priori était peut-être légèrement favorable).

Début du film. Pas de musique, juste des sons. Ceux de la nature thaïlandaise, de la nuit, des bestioles qui grésillent, bourdonnent, pépient, cacardent, croucroutent, un plan sur un buffle, qui dure, qui dure, mais ce n'est pas désagréable. C'est même apaisant. Tout le reste du film sera caractérisé par ce calme, cette tranquillité, ce naturel.

Quand Oncle Boonmee reçoit la visite du fantôme de sa femme ou d'un singe aux yeux rouges (qui s'avère être son fils disparu), il n'a pas peur, les reçoit avec simplicité, leur offre un verre d'eau, leur fait part de ses inquiétudes à leur sujet ("manges-tu à ta faim ? as-tu de quoi te vêtir ?"), leur montre les albums de photos prises depuis leur départ. On tient là les meilleures scènes du films, chimériques mais paradoxalement ancrées dans le réel (ici les fantômes savent manipuler un dialyseur). Malheureusement, ces moments-là sont peu nombreux.

Car Oncle Boonmee, c'est surtout un délire mystique d'Apichatpong Weerasethakul (que j'appelerai Joe dans la suite de l'article pour des raisons évidentes), et quand dans le film, le réel disparaît au profit de représentations de rêves, de vies antérieures ou quoi que ce soit, il devient très difficile de le suivre dans son inspiration. Malgré sa maîtrise parfaite de la lumière et des décors qui font de ses images de splendides tableaux, Joe ne parvient pas à éviter l'ennui (le mien en tout cas). Chaque action, chaque mouvement est décomposé avec une lenteur infinie, et même les personnages semblent prendre plaisir à s'attarder sur chaque mot, d'un ton monocorde et soporeux.

Quelques belles scènes parviennent parfois à provoquer un réveil momentané (par exemple, celle qui précède le fameux épisode du poisson-chat) mais elles sont beaucoup trop rares pour ne pas laisser un profond sentiment d'ennui et d'incompréhension à des gros ploucs comme moi qui ne comprennent rien au cinéma (ceci est un sarcasme).

Le fils d'Oncle Boonmee avant le drame (transormation en wookie)

Mais comme tout est affaire de goût et de perception personnelle, allez donc voir ce film, c'est une Palme d'Or donc un futur classique, sachez juste que vous pouvez partir si vous avez envie de mourir au bout de la première heure, car la suivante sera du même calibre. Dans le cas contraire, restez-y, puis venez m'expliquer.

Top 10 des films de l'Etrange Festival 2010

L'Etrange Festival se déroulait la semaine dernière au Forum des Images de Paris. Cette sélection de films remarquables par leur originalité et/ou leur extrémisme permet d'ouvrir un maximum le spectre des possibles qu'offre le cinéma et on ressort forcément grandi d'une semaine comme celle que je viens de vivre. Pour ceux qui auraient manqué cet événement délicieux, voici mon palmarès personnel de la sélection 2010, tout du moins des films que j'ai eu l'occasion de voir (ce qui explique l'absence de Monsters ou A Serbian Film notamment). J'encourage chaudement quiconque lit ces lignes à aller voir (ou se procurer, pour ceux qui ne sortiront pas en France) un maximum de ces films, en commençant par le haut (et en s'arrêtant au cinquième, idéalement).


1. Rubber de Quentin Dupieux
Avec Stephen Spinella, Roxane Mesquida, Jack Plotnick
Il arrive souvent que l'on attende un film depuis si longtemps qu'on ne peut s'empêcher d'en avoir des espérances inatteignables. On ressort alors de la salle déçu, presque triste, voire en colère. Pour Rubber ce ne fut pas du tout le cas, bien au contraire. Je m'attendais à ce qui était annoncé, une histoire de pneu télékinésiste et légèrement psychopathe, un film de genre complètement barge, à l'image des précédents de Quentin Dupieux. Oui Rubber c'est d'abord ça, une mise en scène qui parvient à rendre un pneu vivant, émotif, inquiétant, une photo parfaite, des acteurs immenses. Mais ce qu'on ne m'avait pas annoncé c'est toute la partie immergée de l'iceberg, qui est colossale. Au delà de l'histoire du pneu vient se greffer toute une structure intermédiaire. On suit les aventures du public venu voir un film au milieu du désert (celui du pneu), et qui le suit au moyen de jumelles optiques. Les deux histoires s'entrecroisent et nous offrent un délice de comédie absurde, rappelant les meilleures heures du cinéma de Buñuel période "charme discret". Mais j'y consacrerai probablement un article entier lors de la sortie en salles du film (10 novembre) tant il y a de choses à en dire.

2. The immaculate conception of Little Dizzle de David Russo
Avec Marshall Allman, Natasha Lyonne, Sean Nelson
L'un des films qui rend le plus grâce au nom du festival qui l'accueille. Etrange effectivement, cette histoire de techniciens de surface se gavant de gâteaux hallucinogènes trouvés dans les poubelles de leurs employeurs. Difficile de résumer plus en détail ce film, on pourrait le synthétiser en disant qu'il est une sorte de mixture regroupant le charme indie des frères Safdie, les dialogues ciselés du meilleur Kevin Smith, les délires hallucinés de Gregg Araki et la folie scénaristique de Charlie Kaufman. Original, forcément, mais surtout drôle de bout en bout. Un film tellement étrange que j'ai bien peur de ne pas pouvoir le revoir en salle de sitôt (pas de date de sortie française prévue).

3. Buried de Rodrigo Cortés
Avec Ryan Reynolds
"Tu crois vraiment que tout le film va se passer dans le cercueil ? Ha ha". On me riait au nez quand j'essayais d'imaginer Buried avant d'aller le voir en salle. Cette histoire d'un camionneur en mission en Irak qui se réveille six pieds sous terre avec pour seule compagnie un briquet et un téléphone portable. Eh bien oui monsieur, pas un seul plan du film ne se déroule hors du cercueil, et c'est là que Buried est exceptionnel. Le dernier cinéaste à avoir tenté une telle prouesse est Joel Schumacher, avec son excellent Phone Game, qui parvenait à nous tenir en haleine pendant 80 minutes. Dans Buried, en l'espace d'1h35, l'espagnol Rodrigo Cortés ne nous laisse pas une seconde pour respirer. Le moindre coup de fil passé prend aussitôt une charge dramatique immense, grâce à une mise en scène inventive et efficace. Un coup de maître. Sortie en salles le 3 novembre.

4. Pontypool de Bruce McDonald
Avec Stephen McHattie, Lisa Houle, Georgina Reilly
Autre film à concept, à l'image de Buried. Grant Mazzy, animateur de radio libre, reçoit des appels de gens paniqués, racontant des émeutes assorties de faits divers étranges. Grant, sa standardiste et sa productrice commencent à flipper eux aussi. Canular ou réalité ? La question se pose aussi pour le spectateur. Bruce McDonald parvient à nous emmener où il veut grâce à son excellent travail sur l'image et le son, et arrive à faire de nous des victimes au même titre que ses protagonistes principaux face à une énigme dont seul le générique final nous donnera des éléments de réponse. Un objet cinématographique déroutant, à voir par curiosité, en DVD (pas de sortie ciné prévue).

5. Bedevilled de Cheol So Jang
Avec Young-hee Seo, Sung-won Ji Seo, Min-ho Hwang
Victime de surmenage, Hae-won prend des vacances dans l'île où elle a grandi, au fin-fond de la Corée. Elle y retrouve une amie d'enfance, Bok-nam, qui n'a jamais quitté l'île et est visiblement malmenée par les habitants. Hae-won, troublée, ne sait pas comment réagir. Cheol So Jang parvient à installer une tension croissante pendant une bonne moitié de film avant de balancer la purée dans un final sordide et ultra-gore. En passant, il amorce une réflexion sur la culpabilité et la question de comment réagir face à l'humiliation d'autrui, dans un film plutôt réussi mais assez incommodant.

6. The Housemaid de Im Sang-Soo
Avec Jeon Do-Yeon, Lee Jung-jae, Youn Yuh-jung
Note : On entre dans la deuxième partie du top, à partir de maintenant ce sont des films que je ne conseille pas. Euny est embauchée comme gouvernante dans une famille bourgeoise. Elle entretient une relation avec le père de famille et tombe enceinte. Bad trip. Très beau pendant une heure, The Housemaid ne parvient pas à tenir la distance et se perd dans un gouffre mélodramatique menant tout droit à une fin d'un grotesque achevé. Sortie le 15 septembre.

7. Le dernier exorcisme de Daniel Stamm
Avec Patrick Fabian, Ashley Bell, Iris Bahr
Cotton Marcus est suivi par une chaîne de télévision pour révéler à l'Amérique que tout son passé d'exorciste n'était qu'une vaste supercherie, mais voilà qu'il se retrouve en présence d'un vrai cas de possession démoniaque. L'idée de départ est bonne, et d'ailleurs le film est drôle pendant une bonne demi-heure quand on voit Cotton raconter sa vie, se déplacer avec l'équipe du documentaire, puis pratiquer un exorcisme pipoté en dévoilant ses trucs en montage alterné. L'idée du faux documentaire est là parfaitement justifiée. Mais quand on bascule dans le film d'horreur, le procédé, déjà usé par Blair Witch, Cloverfield ou Rec devient inutile, voire pesant, d'autant que Daniel Stamm ne lui apporte aucun renouveau. On n'a jamais peur et cette histoire vraiment trop bateau ne suscite pas le moindre intérêt. Au final, les seuls sursauts provoqués le seront grâce à une musique criarde, qui n'a dans le cadre du faux documentaire aucune légitimité. Sortie le 15 septembre.

8. Four Lions de Chris Morris
Avec Riz Ahmed, Arsher Ali, Nigel Lindsay
Four Lions raconte l'histoire de quatre djihadistes anglais complètement idiots, obsédés par l'idée de se faire exploser. Evidemment, c'est original, diablement osé même, de tourner en dérision un tel sujet. Le seul problème (et il est énorme) c'est que la stupidité des protagonistes est telle qu'elle en devient inconcevable et ne parvient à provoquer que les sourires polis. On se remet alors à quelques situations cocasses pour trouver de quoi rire mais elles ne sont pas si fréquentes et on regrette à la fin que tous ces gags rocambolesques semblent avoir été écrits sans le moindre souci de vraisemblance. Sortie le 8 décembre.

9. Proie de Antoine Blossier
Avec Grégoire Colin, Bérénice Béjo, François Levantal
Une vague histoire de sangliers mutants dans la cambrousse, un film d'horreur français, pas terrible. Ce n'est pas très bien filmé, pas très subtil, et on ne voit pas grand chose (pratiquement tout le film se passe de nuit) et c'est peut-être heureux car les effets spéciaux sont gravement cheapos. Pas de date de sortie prévue mais je ne pense pas qu'il soit indispensable d'aller le voir.

Pas de vidéo mais une belle image.

10. Nous sommes ce que nous sommes de Jorge Grau
Avec Francisco Barreiro, Alan Chavez, Juan Carlos Colombo
On nous promettait un Morse version antropophage transposé au Mexique, mais ce film (présenté à Cannes en mai dernier) ne tient pas une seconde la comparaison. Cette histoire d'une famille de cannibales livrée à elle-même après la mort du père ne se situe ni dans le registre de la métaphore sociétale, ni dans celui du film de genre rigolard. C'est sinistre, pesant, pas drôle (cela dit, ça ne cherche pas à l'être), on ne comprend rien et on se fait chier.